Бар Реактор готов принять новых постояльцев!
Место общения для гостей сайта

Глава I – Теоретические пляски

Небольшая вводная

Множество художников по всему миру ежедневно рисует сотни тысяч концептов. Лучшие цифровые галереи ломятся от разнообразного графического контента. Пока я писал два предыдущих предложения, на одном из популярных ресурсов CGHUB было выложены не менее десяти работ. Это поток. Река. Стихия.

Зададим себе вопрос, — что заставляет всех этих людей генерировать безумную армию концепций чего-либо? Для чего все это нужно? Кому это нужно?

Для некоторых художников это дыхание, без которого они не могут жить. Им нужно выговориться, а лист бумаги для них, что сцена для актера. Для других это вызов, челлендж в котором художник пытается доказать остальному миру насколько он крут, и насколько оригинальны предложенные им концепции. Кто-то – пиарится. Для кого-то это рутинная работа, где существует задача сгенерировать не менее пяти набросков за час работы, чтобы кто-то другой мог выбрать из них лучший. Кому-то это просто отдых. Типов этих художников гораздо больше, чем можно представить, но…

…всех их объединяет одно – они создают быстрые концепции, которые могут позволить на раннем этапе определить стоит ли разрабатывать выбранное направление или нет. Нравится оно автору или заказчику, или нет? Стоит ли использовать какой-либо фрагмент изображения или стоит выкинуть его в мусорное ведро и начать все сызнова. Удалось ли, поймать мысль, гарцующую в голове?

В этом малом они запечатлевают многое.

Хочу обратить ваше внимание на один из таких концептов. Это не моя работа, но работа художника, которого я уважаю, несколько слов которого, кстати, произнесенные в нужный момент сгладили последствия удара, который нанесла мне игровая индустрия в лице «маститых мастеров мазни» (далее по тексту — МММ).



Автор: Леонид Козиенко

Небрежные мазки-удары и грубые формы, никоим образом не отражаются на качестве работы и ощущении от нее, зритель сразу понимает, что перед ним, чувствует динамику происходящего и может понять, что пытался донести до него автор. Это и есть концепт. Я бы сравнил концепт с ругательством или оплеухой. И первое, и второе – быстро достигает цели. И то и другое определяет дальнейшие намерения человека осуществившего действие. И то и другое всего лишь набросок, концепция катастрофы, которая разразиться с получившим посыл в виде концептуального тумака, если он ей не внемлет.

Назначение концепт-арта

История того концепт-арта, который известен нам сейчас по множеству цифровых порталов, как водится, идет своими корнями в глубокое прошлое. Значительно дальше 30-ых годов прошлого века тогда, когда термин концепт-арта по слухам был впервые озвучен студией Walt Disney Feature Animation. Прямиком во времена первых художников. Не тех, кто малевал на скалах мамонтов, но тех, кто превратил изобразительное искусство в отдельную профессию.

Художники во все времена делали наброски предваряющие написание картин, и, разумеется, без этих набросков невозможно было расти, так как ежедневная практика и учеба это то, что делает возможным рост, и то, что делает возможным последующий переход из количества в качество навстречу новым урокам и неизведанному.

Таким образом, под красивым термином, как это часто бывает, скрывается старая как мир истина. Точно также вокруг нас существуют самые разные сущности, прикрытые броскими терминами являясь притом обычными, древними, тысячу лет как открытыми велосипедами.

Мы не будем пытаться охватить то, что не может быть охвачено в рамках данной статьи и уделим вниманию лишь концепт-арту, который может быть связан с играми и фильмами, другими словами, — концепт-арт индустрии развлечений.

Основное назначение концепт-арта создание в кратчайшие сроки наброска или макета объекта, который затем может быть запущен в производство. С минимальными потерями во времени можно подобрать наилучшую концепцию сэкономив тем самым время и средства. Потому как в случае утверждения концепта запускаются «маховики машин» других специалистов, и в случае игровой индустрии на базе концептов создаются модели, локации и другие игровые сущности.

В случае киноиндустрии начинают разрабатываться макеты или прототипы реальных объектов, таких например как модель «Титаника» или корабль-призрак Дейви Джонса, в натуральную величину, использованный в фильме «Пираты Карибского Моря». Ошибка на уровне концепции неверно утвержденной и запущенной в производство может вылиться в многомиллионные убытки. Кроме того будет потерян второй не менее драгоценный ресурс – время.

Помимо того, что концепт-арт экономит время и позволяет отсечь ненужное на самых ранних этапах – это мощнейший инструмент создания мира. Без него люди создающие этот мир не получат целостный вид создаваемого. Потому, что концепция в голове, и концепция на бумаге – не одно, и тоже. Да, мы ежедневно видим в голове картинки, представляем что-то, но голова мыслит образами, а нам нужна конкретика. И когда эта конкретика переносится нами на холст, мы вдруг понимаем, что не все так идеально, и что то, что было хорошо на словах, совершенно не впечатляет в виде законченного концепта.

Разработка концепт-арта неотъемлемая часть разработки чего-либо, начиная от постройки дома и заканчивая запуском разработки новой автомашины. Или быть может нового популярного мобильного устройства, которое призвано поставить мир на колени. Частный случай такого концепт-арта надолго останется в библиотеке патентов, напоминая о плодовитости Стива Джобса.
Оговорюсь сразу, — я не поклонник Apple, у меня даже нет устройств с тач-скрином, но при этом я уважаю тех, кто идет вперед и добивается своих целей. Этот человек в полной мере этого заслуживает. Единственное что подобные патенты это очень зыбкое поле. Имея в руках одного художника можно было бы запатентовать весь мир, пядь за пядью обрисовав имеющиеся в нем объекты и объекты потенциальные, главное при этом иметь фантазию.

Технологии создания концепт-арта

Этой теме я безо всякого сомнения посвящу ряд статей, потому как методика его разработки может быть самой разной. Чтобы я не сделал и какие бы способы его создания не были бы мной описаны, — более чем ведро снега с вершины айсберга снять не удастся.

Почему?

Концепция может быть передана с помощью любых материалов существующих на земле. Даже песок с пляжа может послужить материалом для создания концепт-арта. Оставим классические способы его создания, отложим на миг ручки, карандаши, перья и кисти и обратим взгляд на кинематограф.

Существуют знаковые люди и знаковые продукты, которые всегда находятся на острие ножа существующих индустрий. В кинематографе есть несколько таких людей, и первыми на ум мне приходят Ридли Скотт и Джеймс Кэмерон. Сегодня, более прочего, я хотел бы упомянуть последнего. Джеймс Кэмерон славен не только тонущим на рояле Де Каприо и даже не глобальными съемками тонущего корабля-гиганта. В этом случае его вклад в дело кинематографа был бы не столь очевиден. «Аватар» при всей его зрелищности и широком спектре используемых в нем современных технологий – тоже не цель моего удара.

Я предлагаю вам опуститься глубже в историю кинематографа, остановившись на фильме «Aliens» 1986 года выпуска. Известно, что Джеймс Кэмерон во время съемок прикладывал руки к проекту везде, где только можно, и ни одна из деталей этого знакового фильма не осталась без его внимания.
Он отличался и отличается поныне тем, что всегда знает, что ему нужно. Он всегда знает, как должно выглядеть то, что он создает и почему. И, если концепт-художникам работающим вместе с ним, не удается в полной мере реализовать то, что ему было нужно, – он берется за дело сам. А именно… за детские модельки.



Наброски Джеймса Кэмерона для фильма «Чужие». Надо отметить, что помимо всего прочего он превосходно рисует, что дает ему возможность доносить до подчиненных свои идеи с максимальной детализацией, как логической, так и визуальной.

Известен случай когда Джеймс так и не смог получить интересующую его технику от своих сотрудников. Недолго думая он направился в детский магазин, накупил моделей сборной техники и собрал из их фрагментов то, что ему было необходимо изначально. Так на свет появились образцы научно-фантастической техники, которые и по сей день выглядят актуальными. Которые, и по сей день могут приводиться в пример другим дизайнерам.

Надо сказать, что техногенный стиль, разработанный им для «Aliens», я имею в виду не только технику, но и элементы окружения, в том числе дизайн архитектуры, на долгие годы стал эталонным и был использован при создании множества Sci-Fi кинолент, игр, комиксов и картин. Этот стиль успешно эксплуатируется до сих пор самыми разными конторами. Из последних игр приходящих на ум можно назвать Doom 3.

Нет смысла пытаться выделить основные элементы стилистики Кэмерона, ведь это не задача данной статьи, но можно упомянуть, что часто художники слышат задачи в стиле:
— Сделай мне такую станцию, ну… как в Чужих, помнишь?, — или
— Мне бы такую хрень слепить как в Чужих, чтобы со слизью и чтоб тошнило.

(за тошноту, кстати, отвечает некто Гигер Ганс Рудольф, тот еще персонаж, гениальности граничащей с безумием, которого никто не отрицает. Не стану приводить здесь его иллюстрации потому как не хочу чтобы Хабр подвергся гонениям за рекламу насилия. К сожалению в нашем государстве возможно все).

Когда мы перейдем к следующей главе – обязательно попробуем идти классическим путем создав обычный и быстрый концепт, а заодно в дополнение к классике повторим путь Джеймса Кэмерона с его магазинными модельками.

Глава II — Прикладная, где мы… прикладываем

Знак Четырех

Эти строки, друзья мои, сопровождаются раскатами грома. Где-то на горизонте моего мироздания я вижу зарницы. Сполохи света и последующий грохот я склонен трактовать как вестников грядущей критики. «Настоящие папки» придут за мной и публично оспорят каждое из моих положений. Но, бояться молний – под дождем не гулять.

Поэтому смело отправимся трактовать классику по-своему. Как и в любой другой статье выведем базовый тезис – все должно быть просто.

С чего начинается любой скетч или концепт-арт? С пятна. С кляксы формирующей будущий образ. Как верно подметили в комментариях к предыдущей статье – это принцип подмалевка (хотя термин этот, будучи официальным все равно мне не нравится, при его произношении мне мерещатся совершенно другие вещи).



В этом примере я просто поставил «кляксу» с помощью пера, и начал думать во чтобы ее превратить. Очень забавное упражнение которое напоминает детскую игру, когда человек смотрит на облака и объясняет второму человеку на что по его мнению похоже выбранное облако.

Этот принцип заключен в том, что художник, либо любой другой человек любящий рисовать движется от целого к частному. Самая распространенная ошибка новичков – рисунок одной излишне детализированной части объекта, который они затем не знают куда приладить, а когда прилаживают объект, все в сумме выглядит как сборная солянка.

Это происходит, потому что человек, рисующий такой коллаж, не видит финала своего рисунка, и, создав фрагмент, начинает подтасовку сущностей в стиле – я так и задумал. Что тут можно сделать? Смириться с тем фактом, что существует тысячелетний опыт человечества, отшлифованный руками миллионов творческих людей.

Как истинный ренегат я сопротивлялся всему классическому, отказываясь рисовать горшки и цветочки. И, если последние я до сих пор отказываюсь воспринимать как часть обучения, то концепция «от простого к более сложному» должна была бы быть мною воспринята. В случае принятия этой данности сразу я бы не потерял несколько лет своей жизни на упрямые поиски своего пути. Что сделано, то сделано. Раз уж я человек конечный, давайте попробуем сделать так, чтобы я не смог вас уволочь за собой в пучины опасной ереси.

Теорию рисунка и прочую классическую ерунду мы опустим, сделав акцент на нескольких важных вещах. Форма. Свет. Тень. Цвет. Все четверо – боги моего мира. На них зиждется каждый объект, который я создаю. Сестру и брата, носящих имена Света и Тени я выделяю особо. Мои любимцы. Без них не будет ничего. Тьма. Мрак. Мордор. Можно лишить работу цвета и она останется ей. Можно придать работе ужасающие формы, но они будут. Но работы без света и тени быть не может. Квадрат Малевича? Простите, но мне никогда не понять глубины этого объекта.

Начнем мы с вами с формы. Вы, наверное, видели на ряде концепт-артов такие вот силуэты. Это не просто так, и не просто потому, что художник любит силуэты. Лишив их цвета, света и тени он изучает форму на право жизни. Любой объект в игре или в фильме должен иметь хорошую, а главное интересную форму. В нем должна быть некая начиночка, которая сделает его запоминаемым, должна быть какая-то фишка.

А теперь представьте, что в мире одновременно с вами сейчас работают двести тысяч художников и делают тоже. Как не затеряться на фоне двухсот тысяч работ? Искать. Искать форму. Искать изюминки. Изобретать. Не бояться экспериментов. Ведь подобная ситуация актуальна для всех возможных индустрий. Там тоже есть свои спецы, день и ночно пытающиеся сделать что-то свое.
В результате в одной из провинций Прованса появляется особенный сыр, где-то удается изготовить особые трюфели, а какой-то уважаемый винодел наконец-то надирает зад своим оппонентам создав новый, еще никем не повторенный сорт вина, смешав вместе доселе считавшееся не сочетаемым. А… ну да. Еще кто-то сделает своих с изюминкой Angry Birds на базе чужих флеш-игр, а кто-то соберет на Кикстартере $3,336,371 миллионов долларов вопреки здравому смыслу и станет катализатором новой эры золотого ренессанса в игровой индустрии.

И не важно, что 99% из всех изобретателей так и останутся за кадром. Таков закон жизни. Эта статья тоже может затеряться где-то в запасниках Хабра, а я, быть может, так и не сделаю игру своей мечты. Что же тут скажешь? Сам дурак. Лучше было надо работать.

Вернемся к нашим «кляксам», не к той что послужила первым примером, а к новой. Допустим, мы достигли той формы, которая нам по душе. Дальше нам стоит обозначить объем этой формы. Объем этого силуэта. За счет наших близняшек. Света и тени. Начнем с сестры, она, поди, симпатичнее.



Бам, бух, хлоп… ложатся пятна света, на наш силуэт, обозначая объем объекта. Как этого достичь? С первого раза? С первого раза мало что получается. Необходима практика. А объекты практики, кстати – все, что вас окружает. Пачка сигарет, кружка кофе, ваша рука, ее рука. Да-да, мы все такие разные, но все-таки мы вместе – кофе, пицца и сигареты.

Пришло время «братца». Мы добавляем тени там, где они уместны. И с тенью работа обретает все больший объем. Свет на данном этапе, понятное дело, не достаточно хорош. Нужно проработать все в несколько проходов. Сначала мы как бы вытесали из камня основной массив. Обозначили основные акценты. Но ведь если мы посмотрим в зеркало, то на лице у нас совершенно случайно обнаружатся губы, глазные впадины и другие объекты которые становятся видимыми из-за того что объемы нашего лица освещаются светом и образуют в свою очередь тень. Нам жизненно необходимо обозначить этот объем и на нашей глыбе.
Давайте представим, что свет падает сверху вниз как если бы солнце стояло в зените, или как если бы над нами кто-либо зажег лампочку. Свет будет ярче того рассеянного что был. И вот что получиться когда мы закончим его добавлять.



Почему бы не добавить второй источник овещения? Пока что он как будто бы бил сверху, но ведь в жизни нас окружают фонари, лампы, да и отражение света от поверхности тоже вносит свою лепту в процесс освещения. Переотражение света наш брат величает рефлексами. И речь здесь идет не о скорости реакции, а об отраженном свете.

Назовем это контровым источником освещения. Точно такой же прием используется в каждом втором голливудском фильме, где с одной стороны бъет теплый (красный или желтый) источник освещения, а с другой холодный синий. У нас картинка черно-белая, словно призванная доказать, что во главе всего стоит – Свет и Тень. Но тем не менее прием со светом мы можем использовать.

Теперь… пришло время сделать второй проход. Исправить те косяки что у нас уже есть, добавить мелкие детальки, добавить еще света и еще тени. Самый вкусный момент, когда ты понимаешь, что, то, что уже получилось, — вполне тебя устраивает. Я намеренно сохраняю все свои ошибки, чтобы вы видели, насколько часто ошибается человек (если он как я, не профи) в процессе рисования. Так что давайте до того как начинать второй проход быстро поправим силуэт и те места где мы откровенно наделали дверных косяков.



Затем добавляется цвет. Цвет мог быть добавлен изначально, но тогда бы работа света и тени не была бы столь показательна. Человек умеющий мешает ингредиенты одновременно, словно умелый бармен, и вам совершенно не обязательно пить водку, запивая ее из другой емкости томатным соком. Хороший бармен подаст ее как надо, в нужных пропорциях и с сохранением положения слоев жидкостей.



После глобальной цветовой схемы мы можем начать локальное разделение на материалы, дополнительные цвета, и т.д. Добавим золотой вязи, детализируем мелочь, кое-где рихтуем свет. В общем… довольно интересная работа. Этот этап самый длинный. Он может занимать сколь угодное количество времени. В определенный момент мы говорим себе стоп, потому что не хотим тратить время впустую, вдруг персонаж не будет утвержден уже на стадии концепта?



Вот наш скетч и готов. Мы сделали набросок. Теперь мы можем дать добро на его жизнь или кинуть его в корзину того что никогда не будет опубликовано и начать все сызнова. На начальных этапах начинать приходится часто.

Примечание:
Я намерянно не стал грузить вас размерами кистей, настройками пакета, в котором я рисую, да и пакет нигде не упоминается. Потому, что в ознакомительной статье нам прежде всего важен принцип. Не зная аккордов мелодию подобрать сложно, если ты конечно не обладаешь слухом от бога. Продолжая эту аналогию и зная, что множество людей без слуха тоже играют на гитарах – могу сказать – рисовать у вас тоже получится. Главное учиться и практиковаться.

Если не верите мне — изучите сэмплы. Это концепт-арт к Fallout 3 за авторством Грега Мализна. Это не просто «папа», — это папище цифровой (да и не только ее) живописи. Тем не менее в сети можно легко найти информацию о том как создавались первые арты к Fallout 3 как и где были использованы фотографии. Однако это ни коим образом не умаляет ценности этого арта. Ни на йоту.

Смысл не в том чтобы доказать, что артист был способен писать картины Айвазовского не прибегая к ухищрениям и сохраняя темп работы самого Айвазовского известного своей феноменальной скоростью. Смысл в том, чтобы выдать адекватный результат, в адекватное время и заодно успеть нарисовать за свою жизнь на десять тысяч работ больше, чем, если бы все рисовалось собственными руками, не используя коллажирования, цифровой живописи, 3D-заготовок, а заодно бы делалось классическим, живым способом.

Я не против живой техники, наоборот – только за. Было бы ее больше – было бы лучше. Но в наше время путешествия по дикой природе и написание живых картин – это высокобюджетный отдых, позволить который себе может либо богатый человек, либо чертовски увлеченный человек, которого не пугают лишения, либо… человек рисующий в во время свободное от основной работы.

В любом случае если использование фотоматериалов, текстур, фрагментов других изображений (разумеется не попадающих под понятие объектов авторского права, или разрешенных для модификации) ускоряет работу – этим стоит воспользоваться. Если человек не умеет хорошо рисовать, но умеет делать хорошие компиляции – этим тоже стоит воспользоваться. Если человеку нужно подготовить для других людей референсы по объектам или персонажам – почему бы не сделать коллаж, если ты четко знаешь что тебе нужно?

На вопрос «а сам то?» отвечу честно. Примерно в десяти процентах случаев использую фотографии для поз потому, что не имею достаточных знаний анатомии, а если работа важная и я боюсь ошибиться, — встаю в нужную позу сам, делаю фото и затем смотрю «что и куда крепиться». Примерно в тридцати процентах случаев использую 3D заготовки для ускорения процесса работы, и для того чтобы не ошибиться с перспективой.

В этом месте меня можно заподозрить в ханжестве, и это подозрение окажется абсолютно правомерным. Предлагая другим использовать фотографии, сам я чураюсь этого и говорю себе, что не могу позволить себе подобное по этическим соображениям. Ну не свинство ли, а?
Позволю себе выдать пару слов в свое оправдание. Далеко не все разделяют мою точку зрения. И это очень хорошо. Каждый сам определяет, каким образом ему жить и работать. Более того я считаю, что никто из нас не вправе осуждать другого за подобные действия.

Почему? Да потому, что если вы сами рисовали шар несколько недель, а кто-то другой взял этот шар из клипарта – это ровным счетом ничего не значит. То, что вы рисовали его долго – ваши проблемы. То, что вы рисовали его долго – уж точно не его проблема. Не его вина, что он подсуетившись продал этот шар за пятьсот монет, ну а вы остались с разбитым корытом. Он вам за это не должен, и вы не должны сидеть сложа руки и скулить «вот сукин сын, он то теперь Березовский, ну а я, честный рисователь шаров – на мели».

Запомните пожалуйста – наши проблемы, это прежде всего наши проблемы, и только мы повинны в том, что у нас что-то не получается. Не надо вешать свои «заслуги» ни на Бога, ни на кого-либо из живущих.

В общем… оставим в покое Березовского и Неназываемого, не будем заостряться на мне – перейдем к практическому примеру. Ставим себе задание в два часа изготовить плакат для Half-life 3 с использованием всех возможных способов, в том числе и фотографий. Поставили? Теперь можете искать бородатого человека в очках, чтобы использовать его в качестве референса. Я понятное дело сжульничал уже на этапе генерации задания для себя. Этот бородатый человек я сам.

Берем фотоаппарат, айфон или любое другое устройство, которое может вас запечатлеть и делаем фотографию (либо находим в сети, либо фотографируем друга, либо недруга). Примерно вот такую. Фотография приводится не потому, что я нуждаюсь в рекламе и мечтаю попасть в передачу «Жените это немедленно». Просто вы должны видеть и понимать две вещи – фотография может быть самого отвратного качества, вам нечего стесняться своего собственного дуракаваляния, если не повалять его сейчас, то может статься так, что валять его будут уже ваши дети или внуки – а вы будете завистливо кряхтеть в кресле-качалке сетуя об упущенных возможностях.

Я мог бы сделать фотографию в полный рост и соорудить композицию, но… в этом случае работы было бы намного больше. А когда жена заходит в мой кабинет и видит, что я рисую себя… право слово, она начинает сомневаться в моей дееспособности. Засим постараемся как можно быстрее завершить этот пример.

Итак… задача. Сегодня с утра вам позвонили из Valve и сказали, что вы отобраны для турнира художников. Задача турнира – в два часа соорудить плакат для рекламной кампании Half-Life 3. В случае победы вы получаете… дальше можно не читать. Конкурс вымышленный и призов не будет.

Действуем быстро. Делаем фотографию.



Обрабатываем фотографию фильтрами, чтобы она выглядела более рисованной. И начинаем превращать ее в «рисовку». Добавляем мелких деталей, гипертрофируем те, что имеются и также, добавляем угрожающий красный цвет справа. Прием, как и в предыдущем случае (см. концепт монка) голливудский, но уже в цвете.



Дальше добавляется контровой голубой свет. Обрабатываются волосы и производится операция тонирования. Все резкие переходы света и тени сменяются на более плавные. Точно также в фотошопе обрабатывают фото звезд кино и телевиденья чтобы на лице не было видно следов разгульной жизни. Напоследок мы усиливаем холодный и теплый цвета, и добавляем набросок скафандра, чтобы голова, наконец, перестала висеть в воздухе. И даем Гордону наконец его фомку.



Добавляем атмосферы за счет кубов пыли слева и справа. «Атмосфера» наносится тем цветом который наиболее близок к виртуальным источникам освещения. Слева пыль подсвечена голубым цветов, справа желтым. Гордон без «лямбды» — не Гордон. Маленький совет. Текст и логотипы всегда облагораживают любую даже посредственную картинку если подобрать им правильные цвета и разместить в нужных местах, точно также даже средненькие доспехи с гравированными узорами выглядят на порядки богаче, чем если бы их не было.

После завершения работы обычно производится подгонка контраста. Опытные художники сразу рисуют в нужном световом диапазоне. Но люди вроде меня выставляют контраст после.

Необходимое отступление: Должен вам признаться, что врачи признали меня дальтоником. Поэтому если я говорю голубой, чаще всего оказывается что он фиолетовый. «Мой» коричневый по слухам имеет нежно зеленый оттенок. «По слухам» потому что у меня возможности проверить это нет.



Чтобы показать процесс преобразования фотографии в арт я сделал укрупненный GIF пример с записанными стадиями. И да, чуть не забыл. Как и все я совершаю ошибки. Быть может даже чаще чем все. Жена в очередной раз проходя мимо спросила что это за палка «у меня» в руках. Я возмущенно парировал, что не узнать монтировку может только слепой. Однако червяк сомнения был посеян. Немедленно погуглив я высянил, что моя фомка – не то же самое, что фомка во всем остальном мире. Надобно переделать.

]Помните я говорил вам о том, что в голове и на холсте все по разному. Это хороший пример. Как будто специально влез в эту работу. Я представлял гвоздодер таким, и до тех пор, пока меня не ткнули носом в мое «вранье», я этого не заметил. А заметив – ужаснулся. Этот огрызок стали можно узнать, только если он будет подписан «фомка Фримана».



Вот собственно и все. Данный метод, к сожалению (как и предыдущий), не подходит для людей, которые не умеют рисовать. Однако для них, пока не умеющих, и в том случае если они еще не заснули, — имеется третий способ.

По стопам Кэмерона

Помните, я говорил о Джеймсе Кэмероне? Пришел его черед. Сегодня с утра я увидел очередную игрушку, разломанную моим ребенком. Очередной из множества его тракторов. Починить его было нельзя, и я бросил его на стол возле системного блока.

Хочу немного отступить в сторонку от микрофона, и рассказать вам о том, что практически все мои силы и ресурсы брошены на создание собственной игры. В отличие от предыдущих игр, которые я делал (или в которых участвовал) – эта не будет ни казуальной, ни социальной, ни онлайновой, я так наелся попытками угодить всем типам геймеров что забыл о том, что прежде всего нужно – просто делать игры, вкладывая в них то, что хочешь вложить ты сам, а не то что тебе твердят другие.
Так вот сейчас я рисую очень много концептов, чтобы понять и увидеть тот мир который я строю, и который затем перестанет быть концепцией, обратившись в явь. Предметы этого мира мерещатся мне повсюду. Я постоянно ищу какие-либо детали которые я мог бы исказить и перенести в свой… вымышленный мир. Одним из таких элементов стали дирижабли. После этого отступления можно вернуться обратно. К разломанному трактору.

На глаза мне попался пенал от очков, и руки сами собой потянулись к нему и приладили сверху кабину от трактора. Далее все шло как по маслу. Взяв другую часть трактора и приладив назад я представил что там может быть стрела крана, а добавив кусочек детской игрушки на нос воображаемого цеппелина я получил воздухозаборник.



Если вы у вас имеется хорошее воображение – то и пробка станет воздухозаборником. Но если воображение развито в меньшей степени, то очень помогут кусочки сборных моделей, которые продаются в магазинах игрушек.

В этом примере я все-таки провожу обрисовку, хотя мог бы собрать концепт модели и из пенала. Но во-первых мне чертовски жаль пенал (это подарок который я не готов положить на алтарь графоманства), во-вторых это займет очень много времени. Преклоняюсь перед теми людьми, которые в течение месяца или двух способны собирать модель древнего фрегата пользуясь не только покупными фрагментами деталей, но и разрабатывая свои собственные фрагменты, внедряя при этом свои ноу-хау.



На этот раз я не стану отягощать ваш уставший разум подробностями того что я делаю и просто представлю на свет это полотно. Со стадиями от самого начала и до самого конца. Началом был пенал с куском игрушки – финал – кусочек мира, который я воздвигаю, небольшой погрузочный корабль, парящий буксир.

Глава III – В которой мы подводим итоги

О том, о чем не говорили

Данная обзорная статья, как я и говорил, весьма поверхностна. К сожалению, а может быть и к счастью, мне не пришло в голову на данном этапе создавать несколько туториалов, и я ограничился лишь общими положениями и очень общими примерами.

Как я уже говорил, совершенно никуда не годиться, если читатели открывают статью, со вздохом крутят колесиками мышек, страдальчески закатывая глаза к небу, и постепенно засыпают, пытаясь осилить недружелюбный материал. Можно даже сказать, в контексте данной статьи, что это был концепт-арт будущих статей. Если он показался вам интересным – тему можно будет продолжить и развить. Точно также как разделяется боеголовка несущая в своем теле несколько мелких ракет, которые затем бьют каждая в свою цель.

Помимо всего прочего мне бы хотелось в виде краткого списка обозначить ряд вещей, о которых я не сказал, и которые могут быть важными. Точно также как важны точки в предложении.

Точки

Концепт-арт – не обязательно должен быть быстрым, и не обязательно художник тратит на него времени от часу до двух. Концепт можно также считать именно концептом или концепцией грядущих свершений. Если кому-либо выдана задача сделать концепт общего плана в кинофильме, то художник уделит ему достаточное время, порой существенно превышающее рабочий день.

Изобразительное искусство фундаментальная тема, которая не может быть рассмотрена в подобной статье, поэтому все определения таких вещей как линии в пространстве, перспектива, штрихи и прочие сущности, составляющие из себя изобразительное искусство, словами Семена Альтова «были выкинуты из Англии вон». Я не преподаватель, а вы не ученики на уроке, уверен, что мы вполне можем удовлетвориться познавательно-развлекательной программой.

Арт сам по себе очень объемная тема, и границы таких понятий как концепт-арт, продакшен-арт, арт, скетч весьма размыты. Сами авторы четко знают, куда и к какой категории они относят свои работы, но отдел маркетинга зачастую имеет об этом другое мнение. К примеру, на большом количестве интернет-ресурсов вы можете видеть красивые картинки, которые выдаются этими сайтами за концепт-арт, тем не менее, по сути, они являются продакщен-артом и выполняют его функции. Возможны ситуации наоборт. Возможна неверная трактовка определений типов арта.

Автор статьи не заканчивал вузов, не ходил на курсы и не знаком с классическими художественными школами, классическими приемами и техниками рисования. Он у нас самоучка, которая старалась дойти до ручки своим путем. В связи с этим автор не может считаться истиной последней инстанции. Думаю, что также не может считаться истиной вообще.

Статья отражает субъективное мнение автора, помноженное на личные переживания автора вследствие знакомства с игровой индустрией.
Полезность этой статьи определяется хабрчанами самостоятельно, автор не претендует на звание Прометея или Колумба. Я не за что не отдам вам свою печень и не соглашусь открывать Америку.

Чтобы понять какая бездна скрывается под термином арт, автор рекомендует вам посетить крупнейшие интернет-ресурсы посвященные художникам. Вы можете найти там статьи гораздо лучше этой, интервью с видными представителями индустрии, и просто отдохнуть, разглядывая великое множество замечательных работ.
www.deviantart.com
www.cghub.com
www.render.ru
www.conceptart.org
forums.cgsociety.org
conceptships.blogspot.ru

Ни один конкретный МММ не упомянут — потому, что Хабр не место для личных разборок.

P.S.

И еще одно. В конце писем, текстов и других писулек на западе принято писать — Thanks for your time. Многие американизмы мне не по душе, но многие вещи вызывают редкостную приязнь. Вы потратили свое время на прочтение этой статьи, отдали мне свой самый драгоценный ресурс – время. И я благодарю вас за это.

Спасибо за ваше время.

Всем хорошего Нового Года, отменного стола, удобного стула и никаких больных голов с утра. Перенесите Бухабрь спокойно, с достоинством и без потерь.

Привет, меня зовут Руслан Ярмилко. Я работаю арт-продюсером в Plarium Krasnodar.

Цель этой статьи — раскрыть роль концепт-художника в гейминдустрии как профессионала, который закрывает бизнес-потребности студии, используя креативные, аналитические, художественные способности и инструменты.
В первой части статьи мы с вами обсудим все аспекты работы концепт-художника, а во второй части я приведу рекомендации для тех, кто хочет попасть в данный бизнес, и расскажу, как стать концепт-художником.



Собеседование

В период с 2015 по 2017 год я занимал должность Lead Concept Artist. Сформировав с нуля отдел концепт-арта из 15 человек и исходя из опыта проведения большого количества собеседований, отбора кандидатов на протяжении полутора лет, могу с уверенностью сказать, что 90% соискателей до конца не понимали, что будет входить в их обязанности. При этом среди них были талантливые и скилловые иллюстраторы, называвшие себя концепт-художниками.

На первый взгляд все может показаться предельно ясным: концепт-художник создает крутой арт, генерируя крутые идеи и образы. Поэтому соискатель на данную должность, имея красочные работы в своем портфолио, причисляет себя к цеху концепт-художников и подает заявку на рассмотрение своей кандидатуры. Однако в этой работе важна не только техника рисования. На самом деле концепт-арт в меньшей степени связан с созданием красивых высокодетализированных иллюстраций.

Во время собеседований кандидатам задавали, казалось бы, очевидные вопросы, на которые они с ходу давали такие же очевидные ответы. Один из стандартных вопросов — «Что отличает концепт-художника от остальных коллег по художественному цеху?». Самые распространенные ответы: «Крутые дизайн-идеи», «Крутой арт», «Скилл». Но самое интересное начиналось после уточняющих вопросов, когда соискатель заходил в тупик и не знал, что сказать дальше. Более конкретные вопросы «В чем заключается профессионализм концепт-художника?» и «Каков конкретный вклад этого специалиста в производство?» заставляли людей задуматься и молчать какое-то время, прежде чем отвечать. Ответы звучали те же: «Крутые дизайн-идеи», «Крутой арт», «Скилл», но кто-то, подумав, упоминал техническое задание и сроки.

Затем следовали вопросы о циклах производства, ключевых навыках, методологии работы, отличиях концептов при создании ассетов для разных отделов и так далее. Подобные вопросы вызывали дискомфорт у соискателя от незнания правильного ответа. В ходе собеседования человек начинал понимать, что его представления о профессии концепт-художника очень поверхностны. Что концепт-арт — это нечто большее, чем просто красивый арт. 

Стремление работать концепт-художником чаще всего мотивировалось желанием рисовать крутые персонажи и пополнять портфолио, реализуя свои идеи. При этом ребята совсем забывали упоминать интересы бизнеса и требования рынка игровой индустрии.
Давайте разберемся, что же такое профессионализм в аспекте концепт-арта.



Клиентоориентированность

Дэвид Селзник (1902–1965) — один из самых успешных продюсеров за всю историю Голливуда — призывал свою команду постоянно удивлять зрителей переосмыслением и новой интерпретацией знакомых и понятных сущностей. В игровом бизнесе креативность подразумевает предвидение будущих потребностей, предугадывание ожиданий пользователей, создание новых трендов и т. п. Она является одной из важных компетенций геймпродюсеров, креативных директоров, арт-директоров и геймдизайнеров. Эти участники производства сосредоточены на удовлетворении потребностей игроков — своих прямых клиентов. Но самый первый клиент концепт-художника — это далеко не игрок. 

На этапе препродакшена клиентами концепт-художника могут быть люди, ответственные за целостность образов, — геймпродюсер, креативный директор, арт-директор. 

Во время продакшена клиентами концепт-художника уже выступают сотрудники всех последующих отделов, идущих по пайплайну производства. Это специалисты по моделированию, текстурированию, анимации, визуальным эффектам, рекламе, комьюнити-менеджеры и другие. 

Итак, на разных этапах производства концепт-художник создает продукты, которые используют разные отделы и департаменты, и помогает решать проблемы с помощью уникального дизайна и создания всевозможных визуальных образов. Художественные образы, в свою очередь, передают игроку информацию о том, какую функцию выполняет каждая конкретная сущность в игре. Вся данная информация должна вписываться в образ игры. Требования выставляются разные, и у каждого клиента есть свои потребности, которые должен удовлетворить концепт-художник, проявив профессиональный подход к работе.



Понимание бизнес-потребностей

Концепт-художник — это исследователь, постоянно решающий проблемы, изучающий и создающий множество вариантов, сужающий фокус поиска до тех пор, пока не будет найдено то единственно верное решение. Он всегда учитывает требования, ограничивающие его работу: придерживается заданного стиля и дизайна, находит нужное решение в заданное время, четко выполняя свою роль в команде. Концепт всегда должен соответствовать основному требованию — решать поставленную проблему, поэтому в изображении важно расставить акценты таким образом, чтобы ключевая особенность сразу бросалась клиенту в глаза. Это достигается благодаря таким инструментам передачи информации, как форма, цвет, детализация, контраст, позиционирование, размер.

Все начинается на этапе препродакшена, где концепт-художник выступает помощником арт-директора в формировании визуального паспорта проекта, поиске стиля, дизайна в рамках заданных ограничений от геймпродюсера и геймдизайнеров. Самым первым ограничением в работе всегда выступает время. Успевать доносить идею при разном выделенном времени для работы — это большое искусство. Кроме времени есть другие ограничения, вызванные бизнес-потребностями: лор, сеттинг, целевая аудитория, стиль, дизайн, уже существующие работы конкурентов, и на этапе создания атмосферы игры руководство студии определяет то, на чем конкретно следует сфокусироваться.

Понимание бизнес-потребностей — это ключевой параметр успешности на рынке. Я встречал таких сотрудников, которые с особым желанием работали над персонажами и теряли интерес, как только к ним приходили задачи по архитектуре, созданию объектов окружения, оружия или элементов UI. Были примеры и таких сотрудников, которые игнорировали технические задания арт-директоров, пытались реализовать собственные задумки и очень упорно их защищали, не принимая во внимание цели бизнеса. По факту они выступали своими же собственными клиентами, стараясь закрыть свои потребности и удовлетворить амбиции.

Представьте себе клиента, пришедшего к стоматологу с жалобами на кариес. Очевидно, что клиент ожидает, что ему будут лечить кариес, и сильно удивится, когда вместо этого стоматолог начнет наклеивать ему стразы на зубы, что-то там говоря о том, какая теперь будет неподражаемая улыбка у клиента. Ожидания клиента в итоге не оправдаются, он не получит профессионального подхода со стороны врача, который преследует личные амбициозные цели, заключающиеся в самореализации и достижении новых вершин Олимпа оригинальности, при этом не слыша того, чего же от него на самом деле хочет клиент.

Профессиональный концепт-художник в игровой индустрии всегда будет учитывать множество факторов, влияющих на дизайн сущности. Игровая функция, эмоциональный отклик у игрока, вызванный образом, и бизнес-цели должны очень гармонично сочетаться в предлагаемых концепт-художником идеях, раскрытых через арт. Ведь в дальнейшем с данными документами будут работать другие отделы в цепочке производства.



Работа

После того как техническое задание сформировано и концепт-художнику понятны ограничения, в рамках которых должна быть решена проблема, начинается исследовательский процесс. С помощью подбора ассоциативных рядов (moodboard), наполненных огромным количеством референсов, концепт-художник сужает область поисков. Совмещая, казалось бы, несочетаемые понятия, с помощью собранных референсов и зарисовок он все больше конкретизирует свою идею, которую в дальнейшем согласовывает с командой и руководителем. Процесс поиска позволяет синхронизировать свои идеи с идеями команды и поделиться со всеми информацией, в каком направлении концепт-художник будет исследовать заданную тему.

Следующим этапом исследовательской работы является этап исследования и оформления конкретных идей, отталкиваясь от уже собранного материала. В идеале концепт-художник должен всегда испытывать голод к поиску нового, с помощью вариативного подхода создавать как можно больше контента, из которого можно выбрать лучшее, и с легкостью уметь отказываться от каких-либо идей, если они не соответствуют целостному образу игры.

На самом деле правки и изменения — это обычное дело в процессе исследования, они попросту неизбежны, поскольку являются частью процесса поиска нового. Для концепт-художника крутая картинка не самоцель, прежде всего он исследователь, и это отличительная черта данной профессии. Если отсутствие расширенного и понятного технического задания вызывает у соискателя на должность концепт-художника дискомфорт, если нет безудержного любопытства и жажды исследования, а любые изменения приносят только стресс, то данная профессия не принесет удовольствия.

Концепт-художника постоянно толкает вперед желание найти нечто идеально подходящее под решение задачи. Он должен уметь быстро доносить свои идеи и при этом наглядно уметь продать свою идею с помощью той или иной техники рисования. Обратите внимание, что ограниченность во времени не позволяет создавать суперкрутые иллюстрации. И это один из главных блок-факторов для иллюстратора, чтобы быть концепт-художником. Иллюстратор привыкает работать по уже максимально конкретизированному техническому заданию с запасом времени на финализацию работы. Попадая в безумный водоворот исследовательской работы, когда нужно за четыре часа сгенерировать огромное количество убедительных образов, он просто заходит в тупик из-за подобного ритма, а также постоянно испытывает неудовлетворение от того, что никогда нет возможности до конца полностью дорисовать взятое в работу.

Заключение

Перед концепт-художником не стоит задача создать идеальную иллюстрацию — важнее передать саму суть своей идеи настолько быстро, насколько это возможно. Для бизнеса гораздо дешевле вносить любые изменения на этапе препродакшена, и скорость работы концепт-художников полностью позволяет удовлетворить потребность в изменениях. Концепт-художник использует любые быстрые технологии для фиксации своих идей в как можно большем количестве вариантов: 3D-блокинг в связке с рендером, силуэты, лайнарт, простейшие заливки — все то, что способствует скорейшему внесению изменений в созданную версию, чтобы выдавать следующие новые результаты, пока идея не будет утверждена руководителем.

Подводя итог, можно сказать, что концепт-художник в меньшей степени заинтересован в качестве прорисовки и красоте иллюстрации. Самое главное — это понятно и правильно презентованная крутая идея. Прежде всего концепт-художник — исследователь, который понимает, что не все то, что он нарисует, подойдет для бизнеса, и это нормально. С таким умонастроением и мастерством достигаются максимальные высоты карьерного роста, и такой специалист будет востребован на рынке, по крайней мере до тех пор пока искусственный интеллект не научится делать все то, о чем мы говорили выше. :)